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Entrega de Silla de Ruedas.

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Participación en la campaña “Yo Me Declaro Defensor” de los Defensores de Derechos Humanos por la Alta Comisionada de los Derechos Humanos de la ONU Navy Pillay.

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Entrega de Reconocimiento al Lic. Enrique Peña Nieto por su apoyo como gobernador a los grupos vulnerables de nuestra Asociación.

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Compartiendo con nuestras socias y socios de la tercera edad en Molino Abajo, Temoaya, Estado de México.

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Thelma Dorantes Autora y Actriz principal de la obra de Teatro \\

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Premio Nacional del Trabajo 2012 obtenido por la DODA de la UAEMex.

Entrega a los trabajadores de la Dirección de Organización y Desarrollo Administrativo de la Universidad Autónoma del Estado de México del Premio Nacional del Trabajo 2012 por la Secretaría de Trabajo y Previsión Social del Gobierno de México. More »

 

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Esta Noticia fue originalmente compartida en SutesUaem Prensa Educativa

Fuente: Blog Artes Visuales

blogartesvisualesMapas Mentales, caminos creativosEl color como principio geométricoTrabajar a gusto depende de una habitación bien decorada10 tendencias de diseño para el 2017El grafismo cubano en estos añosEl cartel y el expresionismoMagritte no quiso ser diseñadorTipografía con mucho carácter, Sean Freeman“Porque aprender español mola un huevo”Por qué el branding es importante para un negocio

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https://www.blogartesvisuales.net Blog diseño gráfico, motion y web. Fri, 10 Feb 2017 11:06:38 +0000 es-ES hourly 1 https://www.blogartesvisuales.net/general/mapas-mentales-caminos-creativos/ Fri, 10 Feb 2017 10:58:37 +0000

https://www.blogartesvisuales.net/?p=6777
Escrito por Isabel

El aprendizaje y la creatividad consiste en conectar ideas. Y hay veces, más de las que nos gustarían, que es complicado ordenar todos nuestros pensamientos y encontrar un hilo conductor entre ellos. En estos casos, la herramienta de Mapas Mentales es perfecta para plasmar visualmente todas las ideas o asimilar diferentes conceptos. Veremos los usos, forma de realizarlos, beneficios de su uso y herramientas en línea para realizarlos.

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Escrito por Isabel

Mapas mentales, caminos, trayectos, vías, recorridos, itinerarios, rutas, viajes, líneas que se cruzan, ideas, conceptos, medios, maneras, formas, métodos, procedimientos…= aprendizaje y creatividad.

El aprendizaje y la creatividad consiste en conectar ideas. Y hay veces, más de las que nos gustarían, que es complicado ordenar todos nuestros pensamientos y encontrar un hilo conductor entre ellos. En estos casos, la herramienta de Mapas Mentales es perfecta para plasmar visualmente todas las ideas o asimilar diferentes conceptos. Veremos los usos, forma de realizarlos, beneficios de su uso y herramientas en línea para realizarlos.

El gran difusor de la idea del mapa mental fue Tony Buzan en 1974 con su libro Use Your Head. Un mapa mental es un diagrama usado para representar palabras, ideas, tareas, dibujos u otros conceptos ligados y dispuestos radialmente alrededor de una palabra clave o de una idea central.

Concentrarse en la era de la distracción

Los mapas mentales son un método muy eficaz para extraer y memorizar información. Son una forma lógica y creativa de tomar notas y expresar ideas, que consiste, literalmente, en cartografiar nuestras reflexiones sobre un tema y representarlo por medio de dibujos o imágenes, de una forma gráfica. Se trata de una imagen con distintos elementos, utilizados como puntos clave que proporcionan información específica de un tema en particular o de la ramificación de varios temas en relación a un punto central.

Mapa mental números complejos

Mapa mental números complejos

No confundir con los denominados “Mapas conceptuales”, que es también una buena herramienta de aprendizaje y una representación gráfica de un determinado principio a través de la esquematización de los conceptos que lo componen. En los mapas conceptuales los conceptos son escritos de forma jerárquica dentro de figuras geométricas como óvalos o recuadros, que se conectan entre sí a través de líneas y palabras de enlace. Poseen una estructura en la cual los bloques de ideas o conceptos se encuentran vinculados por líneas interrumpidas por preposiciones o palabras. Los mapas conceptuales deben seguir un orden secuencial, de manera que la composición adquiera un sentido lógico.

Usos y beneficios

Los mapas mentales tienen muchos usos y aplicaciones en diferentes ámbitos como el personal, familiar, educacional y empresarial, en la toma de notas, para la técnica de “Lluvia de ideas” o “brainstorming”, en la realización de resúmenes, como herramienta nemotécnica o como medio para explicar o exponer ideas complejas.

  • El uso de Mapas Mentales facilita la conexión de ideas y mejora el aprendizaje notablemente.
  • Si estamos acostumbrados a esta técnica, nos puede ayudar a tomar apuntes de una forma más rápida y óptima.
  • Ayudan a la expansión de la memoria. Son de una gran utilidad a la hora de memorizar contenidos bastante amplios, cargados de grandes bloques de información y conceptos, ya que los vemos simplificados, estructurados y de una forma visual que nos ayuda a recordar.
  • Facilitan el estudio de temas complejos y difíciles de entender.
  • Es muy útil en presentaciones laborales, trabajos educativos y tareas escolares, ya que a través de ellos podemos explicar en poco tiempo y de una forma muy visual, una información extensa, incluso complicada.
  • Permiten estructurar los hechos y los pensamientos de forma clara y fácil. La estructuración de la información, ayuda a entender mejor, a recordar y generar nuevas ideas.
  • La realización de un mapa mental nos ayuda a mejorar nuestra creatividad gracias a su estructura no lineal. Las ideas fluyen con mayor rapidez y libremente, nos permite hacer relaciones rápidas entre los conceptos y las ideas.

«La mente es la cosas más importante del universo, contiene todo lo que hay en el mundo. Sólo luchas con tu mente y es genial cuando estás buscando algo; estás jugando, intentando encontrar una buena idea, un buen diseño. Es un viaje genial». Milton Glaser.

Estructura de un mapa mental

Este mapa mental se obtiene y desarrolla alrededor de una palabra, frase o texto, situado en el centro, para luego derivar ideas, palabras y conceptos, mediante líneas que se trazan alrededor del título. El sentido de estas líneas puede ser horario o anti-horario.

Cómo crear un mapa mental

Cómo crear un mapa mental

Los elementos de un mapa mental están dispuestos intuitivamente según la importancia de los conceptos, y se clasifican en grupos, ramas o áreas, con el objetivo de representar conexiones semánticas o de otro tipo entre las porciones de información. Los mapas mentales también pueden ayudar al recuerdo y la memorización.

  • Por lo general, el tema central (o título de nuestro mapa) se representa con una imagen o texto ubicado justo en el centro del diagrama y posee una estructura orgánica radial, compuesta por nodos conectados entre sí.
  • De la imagen central del tema irradian los demás conceptos e ideas en forma de ramificaciones, en el sentido de las agujas del reloj o al contrario, si lo consideramos conveniente.
  • Las ideas y conceptos son representados mediante imágenes o símbolos y palabras claves. Es muy importante el uso de colores para destacar y acentuar las ideas, de esta forma estimulamos a nuestro cerebro a crear nuevas conexiones.
  • A su vez, cada una de las ideas principales se acompaña de una imagen o palabra clave ubicada en su línea asociada. Deberemos mantener la armonía visual de el mapa mental, evitando amontonar las ideas, ya que de la disposición y el diseño también dependerá la comprensión y el aprendizaje efectivo del tema.
  • Las ideas de menor importancia dentro del esquema, corresponden a ramificaciones secundarias, las cuales se desarrollan a partir de aquellas ideas principales que están directamente vinculadas al tema central. Cuanto más lejos se encuentre un bloque de ideas del eje central, menor será su importancia dentro del diagrama.

Con la presentación de las ideas de una manera radial, gráfica, no lineal, los mapas mentales fomentan un enfoque de intercambio de ideas, nos pueden ayudar a ver diferentes puntos de un determinado tema, podemos visualizar el flujo creativo a partir de un concepto, nos permiten la correcta planificación y tareas de organización de un trabajo a realizar y son una herramienta útil para el estudio y análisis de aspectos y detalles alrededor de un tema. A pesar de que las ramas de un mapa mental representan estructuras de un árbol jerárquico, su disposición radial perturba el orden de prioridad de los conceptos típicamente asociados con las jerarquías que se presentan con indicaciones visuales más lineales. Esta orientación hacia la lluvia de ideas anima a enumerar y conectar conceptos sin una tendencia a comenzar dentro de un marco conceptual particular.

Herramientas en línea para mapas mentales

Actualmente en el mercado podemos encontrar diversos software, herramientas en línea y apps que nos ayudan en la creación de esos mapas mentales. Veremos aquí fundamentalmente algunas herramientas en línea, que no nos obligan a tenernos que instalar nada, que podemos usar desde cualquier plataforma y que pueden ser de gran ayuda, siempre que tengamos una conexión a Internet.

Mindmeister, una de las herramientas que podemos usar

Mindmeister, una de las herramientas que podemos usar

  • MindMeister: Solución en línea, a través de la web. Es una herramienta de generación de mapas mentales en línea que nos permite capturar, desarrollar y compartir ideas de forma visual. Con este generador de mapas mentales podemos realizar lluvias de ideas, tomar notas, planear proyectos y realizar muchas otras tareas creativas.
  • GoConqr: Es algo más que una plataforma para la creación de mapas mentales, es una plataforma de aprendizaje social que combina los beneficios de potentes herramientas de aprendizaje junto con el apoyo de una comunidad de estudiantes y profesores activa. Esta comunidad ofrece diferentes herramientas para el aprendizaje y entre ellas la posibilidad de crear mapas mentales.
  • SmartDraw: procesador visual para la creación de mapas mentales. Se integra con las herramientas que habitualmente utilizamos mediante Guardar o compartir nuestro mapa mental usando Dropbox, Google Drive, OneDrive o SharePoint. También podremos exportar a Microsoft Word, Excel, PDF o PowerPoint con un solo clic, automáticamente. Funciona en cualquier dispositivo. Como en casi todas ellas, contamos con plantillas y ejemplos para ayudarnos a arrancar.
  • Bubbl.us: funciona en todas las plataformas en línea, tanto para escritorio como dispositivos móviles. Como otras herramientas de este tipo, nos permite compartir y guardar nuestros mapas mentales en diferentes formatos e imprimirlos completos o por secciones.
  • Coggle: otra herramienta en línea para crear y compartir mapas mentales que funciona a través de nuestro buscador. Nos permite visualizar nuestras ideas de una forma muy simple y compartirlas. Los cambios que hagamos les aparecerán instantáneamente a nuestros usuarios en su buscador.
  • WiseMapping: Podemos hacer uso de esta herramienta tanto en línea, como descargándolo a nuestro equipo (gratuito). Podemos compartir nuestro mapa mental o incrustarlo en cualquier página web (basado en HTML5).
  • Mindomo: Otra herramienta para la creación de mapas que podemos usar en línea. Se pueden añadir vídeos relacionados desde la web o grabar sonido en la explicación, directamente en el mapa mental. También se pueden buscar imágenes web directamente desde el mapa y añadirlas con un solo clic. La característica “Presenter” (Presentador) nos permite convertir los mapas en presentaciones de diapositivas. De esta forma se puede mostrar a los demás nuestro proceso de pensamiento creativo durante el desarrollo de los mapas. Exportación de mapas en una gran variedad de formatos. Cuenta con aplicaciones nativas para iPad y Android.
  • Mind42: Servicio web para el desarrollo de mapas en línea. Entre las funciones que lo distinguen de otros está la incrustación de imágenes mediante un buscador local o la vista previa de enlaces web en el texto.
  • En caso de que prefiramos Apps, aquí tenemos veinte referencias de este tipo de aplicaciones.

Mapa mental Art&Design

Y si lo nuestro es el lápiz y el papel, siempre podemos hacernos un mapa mental con estas herramientas. Recuerda “…dibujar es una acción que también transformará tu cerebro, no hace falta que llegues a ser un ilustrador de renombre pero el hecho en sí es que cuando dibujas te mantienes atento y eso probablemente te convierta en alguien curioso” Milton Glaser.

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https://www.blogartesvisuales.net/diseno-grafico/color/el-color-como-principio-geometrico/ Thu, 02 Feb 2017 11:47:35 +0000

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Escrito por Isabel

¿Qué lleva a un ingeniero civil en 1847 a utilizar el color como principio geométrico? quizás por saber que el color es uno de los identificadores más claros, de los que más facilmente se recuerdan, y seguro que por su deseo de divulgar unos conocimientos que pueden ser considerados por muchos como aburridos, complejos o engorrosos. Esa es la conclusión a la que debió llegar Oliver Byrne (1810-1890) cuando realizó esta versión de los primeros seis libros de los “Elementos de Euclides” en el que se utilizan diagramas y símbolos de colores en lugar de letras, publicado por la editorial W. Pickering, Londres.

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Escrito por Isabel

¿Qué lleva a un ingeniero civil en 1847 a utilizar el color como principio geométrico? quizás por saber que el color es uno de los identificadores más claros, de los que más facilmente se recuerdan, y seguro que por su deseo de divulgar unos conocimientos que pueden ser considerados por muchos como aburridos, complejos o engorrosos. Esa es la conclusión a la que debió llegar Oliver Byrne (1810-1890) cuando realizó esta versión de los primeros seis libros de los “Elementos de Euclides” en el que se utilizan diagramas y símbolos de colores en lugar de letras, publicado por la editorial W. Pickering, Londres.

Euclides, padre de la geometría:

Euclides (325 a. C.- 265 a.C.), matemático y geómetra griego, se le conoce como “El Padre de la Geometría”. Su obra “Elementos”, es una de las producciones científicas más conocidas del mundo y era una recopilación del conocimiento impartido en el ámbito académico de entonces. Es un tratado matemático y geométrico que se compone de trece libros, escrito cerca del 300 a. C. en Alejandría.

En esta obra se presenta de manera formal, partiendo únicamente de cinco postulados, el estudio de las propiedades de líneas y planos, círculos y esferas, triángulos y conos… es decir, de las formas regulares.

Elementos, Euclides. Papiro.

Fragmento de los “Elementos” de Euclides, escrito en papiro, hallado en el yacimiento de Oxirrinco (Oxyrhynchus), Egipto.

El término “elemento” se utiliza para describir un teorema que es omnipresente y ayuda a otros teoremas. El “elemento” es una palabra que en el griego es la misma que “letra”. Esto sugiere que los teoremas de “Elemento” deben ser vistos en la misma relación con la geometría como las letras al lenguaje.

Los teoremas de Euclides pueden ser fácilmente recordados por cualquiera de nosotros, aunque no nos dediquemos a la geometría, ya que son los que aún se aprenden en cualquier colegio. Como “La suma de los ángulos interiores de cualquier triángulo es 180°” o “En un triángulo rectángulo el cuadrado de la hipotenusa es igual a la suma de los cuadrados de los catetos”, el famoso teorema de Pitágoras.

Aunque la obra era conocida en Bizancio, era desconocida en Europa Occidental hasta alrededores de 1120, cuando el monje inglés Adelardo de Bath la tradujo al Latín a partir de una traducción Árabe. En 1482, Erhard Ratdolt realizó en Venecia la primera impresión latina de la obra.

Los Elementos de Euclides 1576, versión española

Los Elementos de Euclides 1576

En español nos encontramos en esta obra de 1576, que se presenta así:

“Los Seis libros Primeros de la geometria de Evclides. Traduzidos en légua Efpañola por Rodrigo çamorano Aftrologo y Mathematico y Cathedratico de Cofmographia por fu Mageftad en la cafa de la Contratació de Seuilla Dirigidos al jlluftre Fenor Luciano de Negro, Canónigo de la fancta yglefia de Seuilla”

La geometría de Euclides, o geometría euclidiana, además de ser un poderoso instrumento de razonamiento deductivo, ha sido extremadamente útil en muchos campos del conocimiento como en la física, la astronomía, la química y diversas ingenierías. Y, por supuesto, es muy útil en las matemáticas.

Elementos de Euclides, 1570

Primera página de la primera versión en Inglés de Sir Henry Billingsley de Elementos de Euclides, 1570.

Euclidis - Elementorum libri XV de París

Euclidis – Elementorum libri XV de París, Hieronymum de Marnef y Guillaume Cavelat, 1573; (segunda edición después del 1557 ed.) in-8, 350, (2) pp. THOMAS-STANFORD, primeras ediciones de Euclides ‘s Elementos , n ° 32. Mencionado en la traducción de TL Heath. Colección privada Hector Zenil.

primera edición impresa de Elementos, impreso por Erhard Ratdolt en 1482

Doble página con notas en los márgenes, de la primera edición impresa de Elementos, impreso por Erhard Ratdolt en 1482

Hasta el siglo 20, cuando su contenido se enseña universalmente a través de otros libros de texto, no deja de ser considerado algo que todas las personas educadas tenían que haber leído. Es por lo que se ha denominado como el libro de texto más exitoso e influyente que se ha escrito, sólo superada en ediciones publicadas por la Biblia.

Elementos de Euclides” de Byrne

Oliver Byrne (1810-1880) fue un ingeniero civil -posteriormente nombrado profesor de matemáticas en el Colegio de Ingenieros de Caminos en Putney- y prolífico autor de obras sobre temas como las matemáticas, la geometría y la ingeniería. Augustus de Morgan lo describió como “un matemático británico menor de edad, bastante excéntrico”. Y realmente sí que debía serlo para que se le ocurriera en 1847 este código de color.

The first six books of the Elements of Euclid

The first six books of the Elements of Euclid

El autor deja claro en el subtítulo que esta es una obra didáctica, así como el objetivo de la misma:

«Los primeros seis libros de los Elementos de Euclides en los que se emplean diagramas de color y símbolos en lugar de letras para facilitar el aprendizaje»

Este ejemplo de edición victoriana ha sido descrito como uno de los libros más raros y bellos del siglo XIX. Cada teorema aparece en cursiva Caslon, con una capitular a cuatro renglones, mientras el resto de la página es una profusión de rojo, amarillo y azul. En algunas páginas, solo las letras y los números están impresos en color, exigiendo un meticuloso alineamiento de las diferentes planchas de color para una correcta impresión. En otros pasajes, figuras geométricas como cuadrados, triángulos y círculos aparecen impresos en colores brillantes.

The Elements of Euclid, by Oliver Byrne

Los primeros seis libros de los Elementos de Euclides. Oliver Byrne. Ed. Taschen.

Edición de Taschen

Los primeros seis libros de los Elementos de Euclides. Oliver Byrne. Ed. Taschen.

Edición de Taschen

Los primeros seis libros de los Elementos de Euclides. Oliver Byrne. Ed. Taschen.

Edición de Taschen

Los primeros seis libros de los Elementos de Euclides. Oliver Byrne. Ed. Taschen.

Edición de Taschen

Los primeros seis libros de los Elementos de Euclides. Oliver Byrne. Ed. Taschen.

El libro se ha convertido en un objeto de renovado interés en los últimos años por su concepción gráfica innovadora y su estilo, que prefigura los experimentos modernistas de los movimientos de la Bauhaus y De Stijl. El diseño infográfico de Edward Tufte hace referencia a este libro en su obra divulgativa así como en su propio trabajo y Ruari McLean en su libro sobre el diseño de estilo victoriano,”Victorian Book Design and Colour Printing“, de 1963. Evidentemente a la mayoría lo primero a lo que nos hace referencia es a las populares obras de Piet Mondrian con sus líneas geométricas rojas, amarillas y azules, sólo que Byrne lo hizo casi un siglo antes. En el año 2010 la editorial Taschen publicó la obra en una maravillosa edición.

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https://www.blogartesvisuales.net/diseno-grafico/publicidad/trabajar-gusto-depende-una-habitacion-bien-decorada/ Thu, 26 Jan 2017 09:27:02 +0000

https://www.blogartesvisuales.net/?p=6726
Escrito por admin

Horas y horas son las que pasan muchas personas trabajando a lo largo del día. Jornadas en las que el estrés, la ansiedad o la saturación pueden llegar a pasar factura y, por consiguiente, repercutir en la labor que cada uno desempeñamos. En este sentido, algo que puede ayudar a nuestra optimización ejecutiva es el […]

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Escrito por admin

Horas y horas son las que pasan muchas personas trabajando a lo largo del día. Jornadas en las que el estrés, la ansiedad o la saturación pueden llegar a pasar factura y, por consiguiente, repercutir en la labor que cada uno desempeñamos. En este sentido, algo que puede ayudar a nuestra optimización ejecutiva es el ambiente de nuestro lugar de trabajo. Sillas de oficina baratas, una mesa amplia, un buen ordenador, así como una correcta distribución del lugar, son algunos de los aspectos decorativos que pueden influir en nuestro clima laboral.

Una habitación destinada al desarrollo de una actividad laboral debe caracterizarse, entre otras cosas, por una decoración y habilitación adecuada para responder a dicho fin. Ante tal cuestión, se nos puede plantear el siguiente interrogante: ¿cómo decorar una sala de estudio y que accesorios decorativos emplear para crear un espacio confortable?

Dicha pregunta se encuentra asociada indudablemente a la concentración y la tranquilidad, conceptos implícitos tanto a la hora de trabajar como de estudiar. Siguiendo esta línea, para decorar una habitación con este objetivo es recomendable seguir una serie de consejos.

Una de las primeras cosas que hay que hacer es preocuparse por la elección de los colores para, posteriormente, pintar las paredes de la sala. Con éstos, se pretende crear un clima de relajación que favorezca a la concentración. Por ello, no se sugiere la utilización de colores intensos o chillones. Lo más aconsejable, en este caso, es optar por colores suaves y neutros, como son el blanco o crema, al mismo tiempo que ciertos tonos de azules o de verde.

Dejando el colorido a un lado, el elemento o factor que, sin duda, cobra mayor importancia en una habitación es la iluminación. Considerando tal aspecto, se antoja necesario aprovechar al máximo la luz natural durante las horas que el día permite. Para ello, hay que mantener las ventanas de la sala bien despejadas. Además, para impedir la entrada de aire se precisa la instalación de cortinas de diseños y colores livianos. Con la llegada de la noche, tener en el centro de la habitación una lámpara de techo y otra para alumbrar directamente la zona de trabajo es esencial.

A su vez, resulta imprescindible destacar que un lugar de trabajo tiene que ser realmente un espacio funcional, en el que todos los elementos necesarios para desarrollar la correspondiente labor, de forma diaria, estén bien situados y organizados para llevarla a cabo cómodamente. Teniendo en cuenta este aspecto, llenarlo de muebles y objetos innecesarios puede convertirse en un problema que nos impida realizar nuestras obligaciones o limitarlas. Es por ello que se recomienda ubicar lo esencial y útil para el propósito. La distribución de los muebles en la habitación es otro factor muy a tener en cuenta.

Con el objetivo de disfrutar al 100% de la luz natural, es aconsejable situar la mesa del escritorio bajo la ventana. Los muebles tienen que ser, a todos los efectos, prácticos, evadiendo, así, cualquier complemento que no ayude verdaderamente. No obstante, tampoco hay que olvidar que una sala para trabajar puede aportar un toque distintivo y propio de la persona que lo decore.

Redacción / Pixabay.com

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https://www.blogartesvisuales.net/general/10-tendencias-para-el-2017/ Mon, 16 Jan 2017 11:10:39 +0000

http://www.blogartesvisuales.net/?p=6645
Escrito por Isabel

Hacemos una reseña de 10 tendencias de diseño para el 2017. Una más de las que se pueden encontrar en cualquier comienzo de año, y que nos pueden dar ciertas claves sobre algunas cosas que veremos habitualmente en muchos trabajos. No pretendemos ir de pitonisos, simplemente indicamos algunas tendencias que parecen evidentes y que seguirán marcando el diseño en este año.

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Escrito por Isabel

Hacemos una reseña de 10 tendencias de diseño para el 2017. Una más de las que se pueden encontrar en cualquier comienzo de año, y que nos pueden dar ciertas claves sobre algunas cosas que veremos habitualmente en muchos trabajos.

Cuando finaliza un año y da comienzo otro, es momento de recapitulaciones de lo que han dado de sí los doce meses que dejamos y predicciones para los meses que comenzamos. Cambia sólo un número en una cifra de calendario, pero parece como si necesariamente hubiera que renovar y emprender algunos nuevos caminos para sentir que realmente avanzamos tanto personal como profesionalmente.

No pretendemos ir de pitonisos, simplemente indicamos algunas tendencias que parecen evidentes y que seguirán marcando el diseño en este año.

1. Tendencias de color

En Pantone comienzan por anunciarnos el color del año, un color que, en buena medida, marcará algunas tendencias en productos, moda y diseño en general. Si el 2016 fue determinado como color el rosa cuarzo por la “necesidad de armonía” que tenía nuestro mundo y por la serenidad que este color expresaba, este año es el verde PANTONE 15-0343. Parece que ya hemos encontrado esa ¿armonía? que necesitábamos y ahora nos hemos vuelto nuevamente vitales, evocando a la frescura de la primavera y a ese verde de las primeras hojas del renacer.

“El verde estalla en 2017 para proporcionarnos la esperanza que anhelamos colectivamente por medio de un paisaje social y político complejo. La satisfacción de nuestro creciente deseo de rejuvenecer, revitalizar y unir. El verde simboliza la reconexión que buscamos con la naturaleza, entre nosotros y con un propósito mayor” Leatrice Eiseman, directora ejecutiva de Pantone Color Institute.

Color Pantone

Color Pantone 2017, Verde 15-0343

Y aunque las explicaciones que nos proporciona el Instituto Pantone en la elección del color a veces parecen incluso un poco “esotéricas”, sí que hace tiempo que vemos una tendencia a todo lo verde, la naturaleza y la estimulación que nos proporciona todo lo relacionado con lo orgánico y natural, aunque no sea necesariamente verde.

Por otra parte este verde seleccionado por Pantone es adecuado para esas combinaciones de color más atrevidas, inusuales, en las que rompamos con las gamas más habituales y en la que el color sea el verdadero protagonista de la propuesta visual. Es una de las predicciones de Gettyimages para el 2017, lo que ha denominado como “Oleada de color”. Es el turno de los colores vivos y de experimentar con el color. También será habitual el uso de duotonos y degradados negros.

En nuestras elecciones de color es adecuado que elijamos un color principal y a partir de ahí nos hagamos una paleta, con herramientas online, como algunas de las que nos sugieren aquí.

Color como protagonista

El color como protagonista

Colores vivos

Colores vivos, combinaciones arriesgadas y el color como protagonista.

2. Naturalidad y autenticidad

Es otra de las tendencias que señala Getty Images y que se acrecentará en este año. Nada de imágenes muy filtradas, muy retocadas y poco naturales. Ya hemos visto en Instagram la huida de esa tendencia a que todo esté idealizado por el tratamiento de las imágenes o la puesta en escena. Ahora la estética de documental, que refleje la autenticidad de esas imágenes, es lo que prima.

Es una huida de los planteamientos publicitarios que hemos ido asumiendo en la sociedad, en pro de la realidad que podemos aceptar como una estética reconocible en nuestro entorno. Nos hemos cansado de una estética idealizada y falseada, aunque la adicción fotográfica se mantiene o, como diría Susan, la “insaciabilidad del ojo fotográfico”.

“La necesidad de tener una realidad confirmada y la experiencia mejorada con la fotografía es un consumismo estético al que todo el mundo ahora es adicto” Susan Sontag, fotografía y redes sociales: el consumismo estético y la violencia de la fotografía.

Más realidad y autenticidad

Más realidad y autenticidad.

3. Vídeo y gráficos animados

Desde hace tiempo las propuestas audiovisuales van ganando terreno en la comunicación gráfica. Gif, cinemagraphs, vídeos y animaciones gráficas seguirán ganando espacio en los medios, diferentes soportes y redes sociales.

La facilidad de acceso a las herramientas que nos pueden facilitar la realización de estos elementos, las apps que nos dan la posibilidad de una edición rápida en cualquier dispositivo y un mundo cada día más audiovisual (Vídeos en directo y realidades virtuales), son las claves de este crecimiento que seguirá en este año.

Los logos no quedan fuera de este universo en movimiento y cada vez es más común que veamos una identidad animada, que puede acentuar el estilo y carácter de la empresa. Para muestra esta buena recopilación de animaciones.

Logos animados

The Vantage Logo por Hoang Nguyen y Juan Tran

4. Diseño UX / UI

UI o User Interface, se refiere a la creación de la interfaz, que puede ser gráfica o desarrollada por tecnologías como HTML, CSS, YUI, jQuery… UX o User Experience es la usabilidad que tiene cierto sitio web desde la perspectiva del usuario que lo visita. Ambas disciplinas se pueden aplicar tanto al ámbito web como a cualquier elemento programado y diseñado o producto multimedia.

Basicamente y de una forma simplista, hacer las cosas bonitas, agradables, atractivas, pero haciendo también hincapié en la accesibilidad y la usabilidad. Que todos podamos navegar de una forma sencilla, fácil, ágil, clara y que el entorno, el interface, nos resulte atractivo y agradable.

No es nada nuevo, pero cada día pasamos más tiempo en entornos interactivos y se desarrollan más contenidos para dispositivos electrónicos, por lo que es crucial cuidar más estos aspectos y tendremos nuevas herramientas que nos facilitarán el Diseño UX / UI. Top 10 Herramientas UX de 2016Las 7 Mejores Herramientas de prototipos de interfaz de usuario y UX.

Diseño UI / UX

Diseño UI / UX

5. Comunicación responsive

La necesidad de tener presencia en diferentes plataformas hace que todos los elementos de nuestro diseño sean cada vez más responsive o adaptable. Hace tiempo que se viene diagnosticando la muerte del papel y, aunque al final todos los medios tienen su espacio, sí que es cierto que actualmente debemos pensar más en un diseño que se adapte fácilmente a los diferentes soportes y plataformas que habitualmente utiliza cualquier usuario. Por otra parte, los lapsos de atención de la audiencia se han acortado como resultado de un estilo de vida más digital, por lo que la información debe estar mejor estructurada, ser fácil y ágil para un usuario con un cierto “deficit de atención”.

Contenido fragmentado

Organización de una gran cantidad de contenido en trozos digeribles

El uso de estructuras e imágenes fluidas, información textual modular, las tarjetas o cards para conseguir una información en “trozos digeribles” o los logos responsives y adaptables, son cada vez más imprescindibles para que nuestro diseño funcione y pueda estar presente en diferentes soportes digitales.

marcas responsive

Proyecto de marcas responsive.

6. Naturalidad y estética retro

En esa moda o tendencia de volver a lo natural, a lo hecho a mano, a lo esencial y auténtico… también sigue expresándose mediante esa estética retro o moderno-retro en donde se fusionan materiales y estéticas para nuevas e interesantes propuestas de marcas y productos.

Tipografías, combinaciones de colores, ilustraciones, logos… con toques de estética del pasado las seguiremos viendo en este 2017 aplicado en marcas, packaging y otros elementos del diseño.

Estilo retro

Webster retro Aero

7. Realidad virtual y aumentada

Cada día es más complicado sorprender al receptor, si es que sigue existiendo este concepto de “receptor” tal como fue enunciado en la teoría de la comunicación hace años. Actualmente ese receptor está inmerso en un mar de diferentes canales, mensajes, signos, símbolos y códigos que le llegan de forma simultánea, no prestando demasiada atención a ninguno de ellos y percibiéndolos de una forma superficial. Es por ello por lo que demanda ser partícipe y poderse sumergir en nuevas experiencias en las que él no sea un mero receptor. Asimismo los medios y la publicidad tienen el reto de ofrecer más al consumidor para pode contar con su atención.

El diseño y la creatividad en estos dos ámbitos que denominamos como Realidad Aumentada (RA) y Realidad Virtual (VR) serán aspectos que se desarrollarán en este año y en los venideros.

Realidad aumentada

Realidad aumentada

8. Diseño plano y minimalismo

Parece que el diseño plano se mantendrá como tendencia, ya que resulta útil para su utilización en diferentes dispositivos, aunque tenderá a sofisticarse.

No es que vayamos a volver al estilo de diseño skeumorfista que dominó previamente el diseño de interfaces, tanto de móviles como de ordenadores, pero hay otras alternativas que permiten enriquecer ese diseño plano.

El año 2014 fue el dominio absoluto del diseño plano, ya no era algo que simplemente estuviera en sistemas operativos o interface digitales, sino que toda una parafernalia comunicativa parecía rendir culto a este sencillo y alegre estilo, como si por simple no pudiera cansar. Todo era flat: flat design, flat color, flat icon, flat logos, flat web, flat ilustración, flat, flat, flat… Y claro, como tanto flat ya cansaba y la simplicidad también encorseta, comenzamos a darnos ciertos márgenes creativos para que esos elementos planos tuvieran cierta gracia: “Long Shadow”, Diseño plano con degradados, Sombras paralelas, Flat Design 3D, Perfiles sutiles… Ya veremos las propuestas o versiones que este 2017 nos dará.

Sombras iOS

Sombras iOS – Jacob Cummings.

9. Impresión 3D

Las posibilidades que nos da la impresión 3D tendrán más aplicaciones en el ámbito del diseño gráfico y las artes gráficas, cada vez será más habitual que encontremos impresiones 3D y aplicaciones de estas impresiones para o como complemento de elementos de diseño gráfico. En el packaging es donde lo comenzamos a encontrar más, pero sus aplicaciones en publicidad, señalética, tipografía… serán cada día más habituales. Sólo queda que los diseñadores y las empresas de artes gráficas vayan experimentando.

Impresión 3D

Impresión 3D para la cubierta del libro de Helen Yentus

Tipografía impresión 3D

Letra “A” de Like Minded Studio

10. Técnica Parallax y de desplazamiento para páginas web

La técnica Parallax en el que la imagen o la textura que se encuentra como fondo de pantalla se desplaza más lento que el resto del sitio para crear un efecto de profundidad en la pantalla, similar al 3D, se harán más habituales en algunas de las páginas que visitemos. Aquí algunos ejemplos de esta técnica.

Parallax

Parallax, soleilnoir.net

El acceso de los usuarios desde diferentes dispositivos móviles también ha producido la tendencia de que todo lo encontremos en una pagina, de la misma forma que nos lo presenta Pinterest o Flickr. En vez de sentarse a esperar para que cada contenido de cada página cargue, muchos usuarios prefieren desplazar su dedo y encontrar toda la información en un solo lugar.

Web de desplazamiento

Web de desplazamiento

Estas son algunas de las predicciones o tendencias de diseño para este 2017, pero el futuro siempre está por escribir y por descubrir, y quizás tú también tengas mucho que aportar en estos meses futuros.

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https://www.blogartesvisuales.net/general/grafismo-cubano/ Thu, 15 Dec 2016 10:38:27 +0000

http://www.blogartesvisuales.net/?p=6554
Escrito por Isabel

Hace pocos días Cuba ha estado en el centro informativo y eso nos ha permitido a muchos saber un poco más sobre esta pequeña isla, emblema y modelo a seguir para algunos o materialización de todos los males a lo que pueden conllevar ciertas políticas. Independientemente de ideologías, vamos a lo nuestro, echar un vistazo a lo que ha sido el grafismo cubano en estos años, desde la segunda mitad del s.XX hasta la actualidad.

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Escrito por Isabel

Hace pocos días Cuba ha estado en el centro informativo y eso nos ha permitido a muchos saber un poco más sobre esta pequeña isla, emblema y modelo a seguir para algunos o materialización de todos los males a lo que pueden conllevar ciertas políticas. Independientemente de ideologías, vamos a lo nuestro, echar un vistazo a lo que ha sido el grafismo cubano en estos años, desde la segunda mitad del s.XX hasta la actualidad.

El boom publicitario de los años 1948-58.

Entre los años 1948-58 Cuba fue utilizada como “base” para el lanzamiento de mensajes y productos que se dirigían al mercado latinoamericano, por lo que se produjo un gran desarrollo de la publicidad y la industria gráfica cubana. En la década de los años 50 se produjo en Cuba un boom publicitario, en sintonía con el impulso que recibió la publicidad a escala global en la segunda postguerra. La potencia de la industria norteamericana y el fortalecimiento de las relaciones entre ambos países, hizo que la publicidad fuera el elemento básico para la difusión de productos, patrones de modernidad, confort y estilo de la cultura estadounidense. Por otra parte, productos como el ron o las bebidas espirituosas, el tabaco y el café, son artículos genuinos cubanos, que caracterizan la isla, y que contribuyen a ese dinamismo publicitario.

Ron Legendario, publicidad años 50.

Regalías, El Cuño.

Organismos y escuela de publicidad

Diferentes agencias publicitarias y organismos se desarrollaron en estos años en la isla, como la Havana Advertising Co. o la Tropical Advertising Co. Asimismo la Asociación de Anunciantes de Cuba (AAC), creada en 1935, impulsó el sector y promovió la actividad publicitaria en la isla, que posteriormente se reforzó con la fundación de la Asociación de Agencias de Anuncios (AAA) y la Asociación Nacional de Profesionales Publicitarios (ANPP). Un hecho significativo es la fundación en 1954 de la Escuela Profesional de Publicidad. En este centro colaboraron importantes profesionales que consiguieron establecer las bases para el desarrollo y perfeccionamiento de la actividad publicitaria. La calidad de la publicidad de estos años es reconocida en diversos profesionales cubanos, que recibieron reconocimiento internacional por su trabajo y participan en diversos encuentros internacionales.

Cartel jabón Rina, Cuba años 40-50

Cartel Ron Bacardí El Embajador, Cuba años 50

Rafael Morante diseñador gráfico y escritor es una de las grandes figuras del cartel en Cuba y uno de los nombres claves de la gráfica de este país. Nacido en Madrid en 1931, llegó a la isla con nueve años huyendo de la guerra civil española. Trabajó como diseñador en la Organización Técnica Publicitaria Latinoamericana (OTPLA) y es uno de los más destacados cartelistas del Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC), afirmaba:

«En relación a la publicidad, una cosa es Cuba hasta los años 50 y otra es Cuba desde el 50 hasta el 58»

Cartel Cinemateca de Cuba, 1961 Rafael Morante

En estos años Cuba era uno de los países punteros del continente y contaba con una industria publicitaria de casi tres mil empleados organizados, en unas doscientas agencias entre nacionales y filiales norteamericanas como: la Organización Técnica Publicitaria Latinoamericana (OTPLA), McCann Erickson de Cuba, Publicidad Guastella S.A., Publicidad Borbolla, Publicidad Siboney S.A., Mestre-Conill y Cía. o Godoy & Godoy Publicidad…

El despertar revolucionario 1959-64.

Evidentemente la revolución significó un cambio radical de la sociedad y en todos sus ámbitos. La “contextualización nacional” y los valores revolucionarios fueron las características que marcaron a la sociedad cubana, su política, su cultura, economía y, evidentemente, también a su diseño.

Muerte al invasor, Rafael Morante, 1962

La revolución conllevó profundos cambios y una total centralización de la economía, la industria, la cultura y política. La actividad publicitaria en un principio intentó transformarse y adaptarse a la nueva situación, pero sin las bases comerciales del sistema en el cual esa actividad se había desarrollado y del cual dependía, era complicado que las agencias se pudieran mantener. La publicidad de marcas y productos pasó a ser publicidad política, los receptores dejaron de ser potenciales consumidores para convertirse en destinatarios de mensajes políticos, educativos y culturales. Con las posteriores nacionalizaciones, los diseñadores pasaron a ser empleados del Estado.

Carteles de la Revolución, con proclamas como “Patria o Muerte” y “Muerte al Invasor”

La publicidad es considerada como un elemento pernicioso, propio del capitalismo. En 1960 desaparece la Escuela de Publicidad y el 22 de febrero de 1961 se realiza una prueba lapidaria: 24 horas sin anuncios comerciales en la radio y la televisión. Después de la prueba, se suprimió la publicidad en radio, televisión y prensa. Llegaba así a su fin una de las industrias más dinámicas de Cuba. Sin embargo, el cartel se convierte en un elemento protagonista, como medio de orientación y trasmisor de los principales hechos o acontecimientos ocurridos en diversos momentos.

“26 de Julio” (1959), cartel de Eladio Rivadulla Martínez

Una de las figuras que se debe destacar en este periodo es la de Eladio Rivadulla, pionero del cartel serigráfico en Cuba. Aunque comenzó realizando carteles de cine, es reconocido como el iniciador de la gráfica revolucionaria en Cuba. Posteriormente simultaneó su trabajo como serígrafo con el de ilustrador de libros, fundamentalmente libros de texto para la enseñanza. En 1959, se fundaron dos instituciones culturales que influirían en la actividad del diseño, especialmente en la producción de carteles y otros elementos de comunicación relacionados: el Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfica (ICAIC) y la Casa de las Américas. Posteriormente se crea el Consejo Nacional de Cultura (CNC), que tiene por objetivo promover la cultura.

1965-1975, el diseño despega

Este es uno de los periodos que se considera de mayor repunte del diseño gráfico. Se reducen los periódicos, pero proliferan las revistas, se crean nuevas colecciones de libros y la producción de carteles se dispara por los organismos gubernamentales encargados de la propaganda política, la cinematografía y otros eventos culturales.

Póster propaganda Fidel, 1968

En el Instituto Cubano  de Arte e Industria Cinematográficos, la diversidad de estilos entre los carteles es notable, aunque desde los años setenta tuvieron en común un mismo formato (52 x 76 cm) y una misma técnica, la serigrafía.

Cartel Arroz para el octavo, Rafael Morante, 1962

Cartel Dos generaciones de nadadores, Rafael Morante, 1962

Aumentaron las campañas públicas, sobre todo en vallas y carteles, éste último se convirtió en el formato de comunicación fundamental. También aparecieron con fuerza nuevos soportes como los “laminarios” (impresos con fines didácticos, de mayor tamaño que los carteles y con más texto). La isla se abrió a algunos diseñadores extranjeros como Tadeusz Jodlowski, Albert Kapr, Jorge Frascara o la visita que realizó el japonés Shigeo Fukuda, que marcó con su estilo a los diseñadores locales. Asimismo en Europa se despertó interés por lo que se estaba haciendo en Cuba en las artes visuales. En los 70 comienza a desarrollarse una cierta actividad en el ámbito de los envases o packaging, sobre todo relacionados con la industria del Habano y dirigido al mercado extranjero.

1976-1989, estancamiento y retroceso

En este periodo se producen una serie de cambios políticos y administrativos que afectan también al diseño. Asimismo el aislamiento también produce una saturación de los estilos y códigos visuales utilizados hasta entonces por los diseñadores. Mientras en el resto del mundo la tecnología dinamiza y moldea los códigos visuales y la forma de trabajo en el diseño y la publicidad, en Cuba comienzan a introducirse las tecnologías informáticas en los 80, pero de una forma tímida y limitada.

Día de la Guerrilla Heroica. Tony Évora, 1968

Todos estos factores, así como la salida del país de algunos diseñadores importantes (Antonio Fernández o Félix Beltrán, antes ya lo había hecho Tony Évora) o el abandono de su actividad por otros, no facilita que haya una mejora cuantitativa ni cualitativa en el ámbito del diseño en estos años. En 1980 se fundó la oficina Nacional de Diseño Industrial (ONDI) y en 1984 el ISDI Instituto Superior de Diseño Industrial, actualmente la única universidad de Diseño en Cuba.

Póster Las Manos, de Eduardo Muñoz Basch, 1978

No podemos dejar de señalar la figura de Eduardo Muñoz Bachs (1937-2001). Diseñador, dibujante, ilustrador y pintor autodidacta, es considerado el más importante exponente de la Escuela Cubana y uno de los maestros del cartel cubano. Nació el 12 de abril de 1937 en Valencia (España), pero se trasladó a Cuba con sus padres en 1941. En 1960, sin entrenamiento formal en el diseño gráfico, hizo el primer cartel para el Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC ). Bachs hace, a lo largo de su carrera, más de 2.000 carteles de películas para ellos y se convierte en toda una referencia en el diseño del cartel cubano.

Vampiros en la Habana, Eduardo Muñoz Bachs, ICAIC, 1985

1990-2000, crisis y repunte del grafismo cubano

Muchos diseñadores se independizan y comienzan a proliferar pequeñas agencias de publicidad dedicadas principalmente a resolver los problemas de comunicación e identidad de algunas empresas dedicadas al turismo o a la industria farmacéutica. Nace el comité Prográfica Cubana en 1992, una entidad no gubernamental -aunque auspiciada por el Consejo Nacional de las Artes Plásticas del Ministerio de Cultura de Cuba- formada por un grupo representativo de diseñadores y que tiene por objetivo promover el diseño. PROGRÁFICA es miembro de ICOGRADA (International Council of Graphic Design Associations) desde 1997 y en la Habana se han realizado diversos congresos de esta institución. El cartel, ese vehículo imprescindible del grafismo cubano, ligado en muchos casos al cine, sigue en artistas como: Julio Eloy Mesa, Ernesto Ferrant, el dibujante Waldo Saavedra, Néstor Coll, Nelson Ponce, París Volta (fallecido tempranamente) y artista digital Eduardo Moltó.

Ernesto Ferrand “Fresa y Chocolate”, 1993

Eduardo Moltó “Suite Habana”, 2003

Nuevos aires para la isla

La emigración de diseñadores a Europa y EE.UU., sigue en estos años, pero también proyectos como Geo-Graficas, una iniciativa que nace de dos hermanas gemelas de madre cubana y padre francés, con formación en el Instituto Superior de Diseño de la Habana y establecidas en Suiza. Una propuesta que permite conocer el diseño actual en Cuba, el diseño contemporáneo de cubanos en el extranjero, así como a los diseñadores actuales de esta isla.

CUBALIBRE, Annick Woungly. Cóctel a base de Coca Cola y ron Havana Club representa el reciente giro en las relaciones entre Cuba y Estados Unidos.

Ayer podíamos leer una noticia indicativa de los nuevos tiempos que se avecinan y es que “Google ha llegado a un acuerdo con el gobierno cubano. En principio el gigante de la red podrá instalar servidores en la isla que permitirían incrementar sustancialmente la velocidad y la calidad de conexión, pero sólo para acceder a sus contenidos más populares como Gmail, YouTube o Google Drive. El convenio no traerá una mejora del servicio de Internet global de la isla ni ayudará a mejorar su accesibilidad: únicamente un 5,6% de los cubanos puede conectarse directamente” (El Español).

Es un principio de otra nueva época, que esperemos que redunde en un nuevo y buen repunte de la actividad gráfica de la isla. Aún nos queda mucho por ver del grafismo cubano.

Referencias:

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https://www.blogartesvisuales.net/diseno-grafico/cartel/el-cartel-y-el-expresionismo/ Fri, 02 Dec 2016 10:39:23 +0000

http://www.blogartesvisuales.net/?p=6546
Escrito por admin

Mediante el cartel el expresionismo explora nuevos caminos con un planteamiento individualista manifestando dramas personales. Transcurridos cuatro años de la Primera Guerra Mundial (1914 -1918) nacería un mundo totalmente diferente, encaminado hacia una sociedad alegre, dinámica e inquieta, con un estilo artístico internacional de múltiples aspectos, caras, colores… Las tranquilas calles se han convertido en […]

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Escrito por admin

Mediante el cartel el expresionismo explora nuevos caminos con un planteamiento individualista manifestando dramas personales.

Transcurridos cuatro años de la Primera Guerra Mundial (1914 -1918) nacería un mundo totalmente diferente, encaminado hacia una sociedad alegre, dinámica e inquieta, con un estilo artístico internacional de múltiples aspectos, caras, colores…

Las tranquilas calles se han convertido en ferias nocturnas con iluminación, automóviles y mucho movimiento. Las vanguardias no influirían de forma inmediata en el diseño puesto que su grado de compromiso fue superficial. El público ha podido comprobar el nacimiento de las vanguardias; Munch pintaría el ”grito” en 1893, Picasso las ”señoritas de Aviñón” en 1907 y así un sinfín de obras que se mantienen a la cabeza artística.

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“El grito”. Eduard Munch, 1893.

Los acontecimiento bélicos no afectaban al desarrollo de estos movimientos, aunque quizás el movimiento Dadá nacería de la esperanza provocada tras estos conflictos.

Durante la década 1910-1920, las vanguardias artísticas que se suceden, crean las condiciones objetivas para el nuevo repertorio de formas en el diseño gráfico. En efecto, para una disciplina que se encuentra a la búsqueda de sus señas de identidad, la adopción de las formas abstractas, el uso psicológico del color, la revolución de tipografía, del collage y del fotomontaje, representará, no sólo la base de nuevos repertorios lingüísticos, sino también sus presupuestos teóricos más sólidos. El cartel como medio de comunicación, volverá a causar sorpresa y asombro ante este nuevo lenguaje del arte.

Expresionismo

Esta corriente artística nacería en Alemania, en los últimos años del siglo XIX y principios del XX. (1907-1910). El artista expresionista representa la emoción en su totalidad sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaliza interior de las emociones que puede cautivar a un espectador.

Los expresionistas exploran nuevos caminos con un planteamiento individualista manifestando dramas personales: El loco de Van Gogh, el primitivista de Gauguin, el angustiado Munch… El Expresionismo surge como reacción contra al impresionismo, frente al naturalismo. Los define el carácter positivista que defienden un arte más personal e intuitivo, donde predomine la visión interior del artista, la “expresión” frente a la plasmación de la realidad la “impresión”. El hombre trata de expresar el desasosiego y la angustia que siente frente a una naturaleza fundamentalmente hostil e inhumana.

El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico. Así, a menudo se ha calificado de expresionista la obra de diversos autores como Matthias Grünewald, Pieter Brueghel el Viejo, El Greco o Francisco de Goya.

Algunos historiadores, para distinguirlo, escriben “expresionismo” (en minúsculas) como término genérico y “Expresionismo” (en mayúsculas) para el movimiento alemán.

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Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de Alemania. Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos.

El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos (lo morboso, el amor insatisfecho, el alcoholismo, la vejez, lo demoníaco, sexual, fantástico o pervertido). Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior.

Evidentemente, la profundidad psicológica de estos temas, no se podría se expresar con una técnica realista y por ello tuvo que acudir a los colores puros y a la distorsión de las líneas y de las figuras.

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El expresionismo reveló el lado pesimista de la vida, la angustia existencial del individuo, que en la sociedad moderna, industrializada, se ve alienado, aislado. Así, mediante la distorsión de la realidad pretendían impactar al espectador, llegar a su lado más emotivo e interior. El expresionismo no fue un movimiento homogéneo, sino de gran diversidad estilística: hay un expresionismo modernista (Munch), fauvista (Rouault), cubista y futurista (Die Brücke), surrealista (Klee), abstracto (Kandinski), etc. Aunque su mayor centro de difusión se dio en Alemania, también se percibe en otros artistas europeos (Modigliani, Chagall, Soutine, Permeke) y americanos (Orozco, Rivera, Siqueiros, Portinari).

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En Alemania, se organizó principalmente en torno a dos grupos: Die Brücke (fundado en 1905), y Der Blaue Reiter (fundado en 1911), aunque hubo algunos artistas no adscritos a ningún grupo.

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Después de la Primera Guerra Mundial apareció la llamada Nueva Objetividad, que si bien surgió como rechazo al individualismo expresionista defendiendo un carácter más social del arte, su distorsión formal y su colorido intenso les hacen herederos directos de la primera generación expresionista.
A partir de la presentación de una exposición sobre el “Arte en Publicidad”, celebrada en 1917 en Amsterdam, el poeta holandés Roland Holts, escribía las siguientes líneas “… un anuncio puede ser dos cosas: O una simple pieza de información, o un grito… No hay ninguna necesidad de decir la verdad a gritos porque ésta puede declararse tranquilamente sin cargar las tintas”.
 
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En su respuesta, Albert Hahn (holandés político dibujante y diseñador de unión) expresaba su opinión: “Desgraciadamente, vivimos todavía en unas circunstancias capitalistas y nuestro mundo es el de la competencia. En las condiciones sociales en que vivimos, las cosas no se producen para satisfacer necesidades humanas, sino, por contrario, de una manera totalmente anárquica… ¿Por qué no un grito, si es eso lo que se necesita? Si el artista es auténtico, hasta su grito es bello… Según lo que se le pida que haga, el artista “gritará” o cargará el acento de algún otro modo. Al hacerlo, utilizará normalmente acusados contrastes de colores y formas sencillas, pues así se consigue la atracción más inmediata.”

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https://www.blogartesvisuales.net/general/magritte-no-quiso-ser-disenador/ Thu, 03 Nov 2016 10:13:40 +0000

http://www.blogartesvisuales.net/?p=6497
Escrito por Isabel

Muchosson los carteles y piezas publicitarias creadas por Magritte, aunque es conocido principalmente por su obra pictórica y no por sus anuncios, aunque no quiso ser diseñador, sin duda su participación en este ámbito es interesante y enriquecedor. Tanto para él, que pudo vivir gracias a su trabajo comercial, como para el mundo del diseño y la publicidad, que pudo contar con un gran artista entre sus filas.

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Escrito por Isabel

René Magritte (1898-1967)

René Magritte (1898-1967)

Muchos son los carteles y piezas publicitarias creadas por Magritte, aunque es conocido principalmente por su obra pictórica y no por sus anuncios, aunque no quiso ser diseñador, sin duda su participación en este ámbito es interesante y enriquecedora. Tanto para él, que pudo vivir gracias a su trabajo comercial, como para el mundo del diseño y la publicidad, que pudo contar con un gran artista entre sus filas.

Magritte es un pintor surrealista belga conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, que pretendía con su trabajo cambiar la percepción de la realidad y forzar al observador para que fuera hipersensitivo a su entorno, a todo lo que le rodeaba. Dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras, poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.

Con la posible excepción de Salvador Dalí, ningún pintor ha tenido un mayor impacto en la industria de la publicidad que el belga surrealista René Magritte. Sus poéticas imágenes, con sus llameantes motivos y hombres con sombrero hongo, han sido imitadas en innumerables anuncios y utilizadas para todo, desde automóviles Volkswagen a la ferroviaria estatal francesa. 

El espejo falso (1928 de Magritte), por ejemplo, una pintura de un primer plano de un ojo sin pestañas, en la que el diafragma parece reflejar nubes blancas que flotan contra un cielo azul brillante, inspiró el logo de la cadena de televisión CBS de Estados Unidos. 

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El espejo falso (1928 de Magritte)

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Logomarca de la cadena de televisión CBS

Poco antes de su matrimonio en 1922, Magritte aceptó un trabajo como diseñador en una fábrica de papel pintado, como él mismo dijo en una carta, “para hacer a Georgette lo más feliz posible en la calma de una constante buena vida burguesa”. Esto sólo duró un año más o menos, ya que en 1924, comenzó a trabajar como diseñador gráfico independiente. 

Durante los siguientes cinco años, produjo carteles, anuncios para revistas y folletos. Sobre todo para la casa de alta costura belga Norine, que era reconocida no sólo como una de las primeras firmas de alta costura en Bélgica, sino como una firma vanguardista y moderna por sus diseños. Pero también trabajó para otros clientes, incluyendo librerías, un joyero o el conocido fabricante de automóviles Alfa Romeo. Igualmente diseñó alrededor de 25 portadas para partituras de canciones populares. Además, varias de sus pinturas de este período, como Bañista y Cinema bleu (ambos 1925), tienen el tipo de espíritu lánguido, elegante y débilmente estilo Art Deco que caracteriza a la publicidad de la época.

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Publicidad para la casa de alta costura Norine

En 1926, un peletero Bruselas, Casa Samuel, encargó a Magritte ilustrar su catálogo de la moda de otoño. Repitieron al año siguiente y el segundo cuadernillo es prácticamente una obra surrealista del arte por derecho propio. Contiene 16 diseños de página completa, acompañadas de textos enigmáticos realizados por el amigo de Magritte (el belga surrealista Paul Nougé) y lleno de mujeres inescrutables envueltas en pieles suntuosas, ocupando sitios extraños, indeterminados. 

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Catálogo Samuel por Magritte 1926-1927

Magritte estaba tan orgulloso de sus esfuerzos que, cuando se trasladó a París en septiembre de 1927, llevó el folleto con él, con la esperanza de impresionar a André Breton, el líder de los surrealistas, y parece que así fue. 

Magritte y estudio Dongo

Después de un periodo en París, en el verano de 1930, Magritte estaba de vuelta en Bruselas. Preocupado por el dinero, creó la agencia de publicidad “Estudio Dongo” con su hermano Paul, colonizando el caótico cobertizo en el fondo de su jardín. A pesar de ganar el reconocimiento internacional durante unos treinta años, Magritte no llegó a ser rico hasta bastante avanzada su carrera. Como resultado, se vio obligado a buscar trabajo como artista comercial para que él y su esposa Georgette pudieran vivir cómodamente en su piso en las afueras de Bruselas.

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Diseño del cartel publicitario para la marca de cigarrillos Belga, hacia 1935.

En los siguientes años produjo numerosos carteles y portadas de música. Incluso en los años cincuenta, todavía estaba aceptando trabajo comercial, como la producción de murales para un pequeño teatro de Bruselas, un casino y en otros lugares.

“No me gusta la publicidad ni las artes decorativas” dijo Magritte en 1946. Sin embargo, su trabajo como diseñador alimentó su arte.

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René Magritte, Tommy’s Toffe Antoine, 1931

Pintura y diseño comercial

Sus pinturas comparten muchas afinidades con el arte comercial. Favorecen, composiciones simétricas y negritas frontales. Con frecuencia se combinan las imágenes con palabras. Objetos, tales como la famosa pipa de La traición de las imágenes, que parecen flotar en el aire como rótulos de establecimientos.

Ceci n’est pas une pipe, es de la serie de imágenes “La traición de las imágenes”

Ceci n’est pas une pipe, es de la serie de imágenes “La traición de las imágenes”

Es de destacar también la frecuencia con la que Magritte encuadra en sus lienzos, dividiéndolos en secciones, como las historietas. Estaba fascinado por la cultura popular, y se apropió regularmente imágenes de material efímero como revistas, diccionarios ilustrados y enciclopedias, escaparates y tarjetas postales. 

Por otra parte, muchos de sus cuadros cuentan con simulaciones realistas de las superficies de materiales como el mármol o madera. Asimismo también tenemos el estilo distintivo de los personajes sin expresión de su pintura, similares a un maniquí, que pueblan habitualmente muchos de sus lienzos.

Cuando creó pastiches de estilos impresionistas y fauvistas, Magritte suprimió deliberadamente aspectos pictóricos y en su lugar, la pintura es aplicada de manera plana, opaca, creando un fuerte efecto gráfico que parece producido en masa. Esto se debió a que quería mantener la mano del artista invisible, y el uso de una lengua demótica, universal, que podría ser entendido por todos, no sólo para los iniciados que sabía sobre el arte “fino”. Muy apropiadamente, su primera contribución a una exposición, en 1918, era un cartel. 

A diferencia de los anuncios, que quieren transmitir un mensaje directo, sus pinturas contienen un mensaje enigmático y ambiguo. Los cuadros de Magritte, que tan a menudo cuentan con el dorso de las cabezas o figuras envueltas en tela, son acerca del ocultamiento. Magritte escribió una vez de su “determinación de hacer que los objetos más familiares griten”. Si los anuncios son una serenata o canturreo, los cuadros son más como un grito silencioso.

En sus obras pictóricas imitó las estrategias del arte comercial, haciendo añicos la familiaridad y dando un giro a nuestra percepción. Luego el mundo de la publicidad ha utilizado sus obras pictóricas en innumerables ocasiones, por lo que la historia de Magritte con la publicidad y el diseño gráfico ha sido como un boomerang.

Catálogo Samuel por Magritte 1926-1927

Catálogo Samuel por Magritte 1926-1927

Magritte, Norine y Alfa Romeo

Magritte, Norine y Alfa Romeo

Magritte, Norine

Magritte, Norine

Magritte, Norine

Magritte, Norine

René Magritte, Sovrana

René Magritte, Sovrana

'Marche des snobs,' cubierta de la partitura (1924).

‘Marche des snobs,’ cubierta de la partitura (1924).

'Mes Rêves,' cubierta de la partitura, 1926.

‘Mes Rêves,’ cubierta de la partitura, 1926.

letango_partitura

‘Le Tango des Aveux,’ cubierta de la partitura (1926)

Nuits D'Adie / Fox - Trot. cubierta de la partitura (1925)

Nuits D’Adie / Fox – Trot. cubierta de la partitura (1925)

'Un Rien ... (Nada), "cubierta de la partitura (1925)

‘Un Rien … (Nada)”, cubierta de la partitura (1925)

Norine primavera

René Magritte – publicidad para Norine, 1925.

René Magritte, 1924, Norine

René Magritte, 1924, Norine.

film_festival

Cartel festival mundial de Bélgica.

Instituto de Artes Visuales

Instituto de Artes Visuales

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https://www.blogartesvisuales.net/general/tipografia-con-mucho-caracter-sean-freeman/ Thu, 20 Oct 2016 11:57:26 +0000

http://www.blogartesvisuales.net/?p=6475
Escrito por Isabel

La tipografía tiene muchas formas y con todas ellas expresa tanto el mensaje escrito, como su propio carácter, que puede ayudar a enfatizar lo que se quiere decir. El trabajo de Sean Freeman, un hombre libre, explora la expresión tipográfica y juega visualmente para conseguir trabajos en los que descubrimos una tipografía con mucho carácter.

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Escrito por Isabel

refresh

Refreshhh

La tipografía tiene muchas formas y con todas ellas expresa tanto el mensaje escrito, como su propio carácter, que puede ayudar a enfatizar lo que se quiere decir. El trabajo de Sean Freeman, un hombre libre, explora la expresión tipográfica y juega visualmente para conseguir trabajos en los que descubrimos una tipografía con mucho carácter.

Él mismo explica cómo su amor por las palabras y las imágenes le llevó a explorar las armonía que puede establecerse entre ambas. Esta exploración la realiza desde su trabajo en “THERE IS Studio”, situado en el “soleado” (humor inglés) este de Londres, y especializado en la tipografía creativa, la ilustración y la dirección de arte.

El trabajo de este diseñador está marcado por su amor a la tipografía y a las cualidades expresivas que pueden surgir de la fusión de este elemento con todo tipo de texturas o imágenes para conseguir una mejor narración visual. Este trabajo le ha proporcionado numerosos premios, como el conseguido en el 2015 en Type Directors Club por el póster “Hands” o los que este año le han concedido en Arts Typography Annual.

Para conocer su trabajo, es recomendable visitar: THERE IS, Facebook, Behance.

EU Portada New York Times

EU Portada The New York Times

GREEN DAY, Póster

GREEN DAY, Póster

THE NATIONAL, póster

THE NATIONAL, póster

BRANSTON, publicidad

BRANSTON, publicidad

Portada New York Times

Portada The New York Times

SHADOW QUEEN, portada libro

SHADOW QUEEN, portada libro

horses

Proyecto TYPE TREATMENTS

Gómez, disco

Gómez, disco

ASCENT WINTERMINT GUM, publicidad

ASCENT WINTERMINT GUM, publicidad

zoom_nike

Zoom, Nike

Instituto de Artes Visuales

Instituto de Artes Visuales

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https://www.blogartesvisuales.net/general/porque-aprender-espanol-mola-un-huevo/ Tue, 11 Oct 2016 12:04:38 +0000

http://www.blogartesvisuales.net/?p=6419
Escrito por Isabel

“Porque aprender español mola un huevo” es, como se suele decir, “coger el rábano por las hojas” (rábanos, huevos…! mejor vamos a lo que vamos). Interesadamente hemos cogido el eslogan de la campaña para presentar esta identidad desarrollada por nuestro alumno José Luís Reyes Rodríguez para “Learñ en el patio” y que es una imagen renovada, con muchos huevos y… mucho español.

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Escrito por Isabel

Manual de identidad "LEARÑ en el patio"

Manual de identidad “LEARÑ en el patio”

“Porque aprender español mola un huevo” es, como se suele decir, “coger el rábano por las hojas” (rábanos, huevos…! mejor vamos a lo que vamos). Interesadamente hemos cogido el eslogan de la campaña para presentar esta identidad desarrollada por nuestro alumno José Luís Reyes Rodríguez para “Learñ en el patio” y que es una imagen renovada, con muchos huevos y… mucho español.

Learñ en el Patio antes conocida simplemente como ‘Leañ’ es una academia de lengua española ubicada en Edimburgo, Escocia, y que tiene por objetivo enseñar tanto la lengua Espanola, como la cultura de esta.

El objetivo de esta empresa es convertirse en el primer “Learning Café” en la ciudad de Edimburgo, donde la gente pueda saborear un pedazo de España a través de su menú o unirse a sus cursos, actividades y eventos, todo ello enmarcado en una inmersión completa en ambiente español.

Learñ en el Patio ofrecerá a sus clientes una gama de productos de repostería española casera y almuerzos, así como diferentes tipos de café como los que podrían encontrarse en cualquier bar español, un lugar para escapar del estrés diario y de reunión con los amigos. Además, Learñ en el Patio está diseñado para ser un espacio alternativo donde las personas interesadas en aprender y practicar español como segunda lengua puedan asistir a cursos, actividades y eventos organizados en sus instalaciones y aulas.

Presentación de logomarca.

Presentación de logomarca.

Logotipo

Logotipo

Logomarca

Logomarca

Versiones logomarca

Versiones logomarca

Acotaciones

Acotaciones

Acotaciones y construcción geométrica, símbolo

Acotaciones y construcción geométrica, símbolo

Acotaciones

Acotaciones

Cuadrícula

Cuadrícula, trama modular

Espacios de reserva

Espacios de reserva

Papelería, hoja de carta

Papelería, hoja de carta

Papelería, hoja de carta

Papelería, hoja de carta

Papelería, sobres

Papelería, sobres

Papelería, tarjetas

Papelería, tarjetas

Papelería

Papelería, tarjetón

Papelería, factura

Papelería, factura

Papelería, carpeta

Papelería, carpeta

Papelería

Papelería, presentación conjunta

Papelería

Papelería, indiana

Envases y embalajes

Envases y embalajes, faja café

Tazas

Diseño tazas

Bolsas

Bolsas

Publicidad

Publicidad, anuncio

Publicidad

Publicidad, anuncio

Publicidad

Publicidad, anuncio

Identidad exterior

Identidad exterior

Publicidad exterior

Publicidad exterior

Publicidad exterior

Publicidad exterior

Publicidad exterior

Publicidad exterior

Identidad digital

Identidad digital

Identidad digital

Identidad digital

Identidad digital

Identidad digital

Identidad digital

Identidad digital

Identidad digital

Identidad digital

Uniformes, identificación personal cafetería

Uniformes, identificación personal cafetería

Instituto de Artes Visuales

Instituto de Artes Visuales

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https://www.blogartesvisuales.net/general/por-que-el-branding-es-importante-para-un-negocio/ Fri, 23 Sep 2016 10:01:11 +0000

http://www.blogartesvisuales.net/?p=6409
Escrito por Isabel

¿Necesitas realmente una marca -branding-? La respuesta es muy fácil, SÍ, si tienes un negocio porque ya cuentas con una marca propia sin que lo sepas. Muchas personas creen que los negocios, en especial los pequeños, no deben tener un logotipo o identidad visual, pero esto es solamente una pequeña parte de lo que supone una marca.

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Escrito por Isabel

cocacola100anios270215

100 años de Coca Cola

¿Necesitas realmente una marca –branding-? La respuesta es muy fácil, , si tienes un negocio porque ya cuentas con una marca propia sin que lo sepas. Muchas personas creen que los negocios, en especial los pequeños, no deben tener un logotipo o identidad visual, pero esto es solamente una pequeña parte de lo que supone una marca.

El branding (marca en inglés) suele incluir una identidad visual, un logotipo, pero lo cierto es que constituye a tu negocio a nivel global. El producto o servicio que ofreces, la reputación que constituyes, todo lo que tus clientes experimentan y asocian con ello. Por lo tanto, es TODO tu negocio y su entorno.

Por ejemplo, si tu empresa se dedicara a redactar textos comerciales, no solo sería tu marca ese texto, también el servicio que prestaras y la eficiencia con que fueras capaz de llevarlo a trámite.

Otro ejemplo. Si tienes una cafetería, la marca no es solo el café o el tipo de té que sirves, también lo son las sabrosas tostadas que preparas, el carácter amable de tu personal o la higiene con la que mantienes los cuartos de baño. La marca es todo lo que los clientes pueden percibir a través de sus 5 sentidos una vez entran en tu negocio.

La pregunta real es, ¿sabes lo que quiere decir tu marca en la actualidad? ¿Sabes lo que piensan los demás acerca de tu negocio? ¿Sabes cuál es la reputación que generas? Si no tienes clara ninguna de las respuestas a estas preguntas es que te encuentras completamente perdido. Esto en vez de ayudarte, puede llegar a hundir tu negocio.

Tengo una sorpresa para ti. Si estás a cargo de tu marca, puedes llegar a controlarla. Créale una forma, defínela y utilízala de forma adecuada. Te ayudará a destacar por encima del resto, sobre todo hoy en día que está el mercado tan saturado. Te hará diferente y súper especial.

Cuando creas tu marca tendrás claro qué hace, a quién va dirigida y cómo te beneficia, tanto a ti como a tus clientes. Si logras ser fiel a los valores que defiendes tus usuarios verán tu compromiso, y esto se convertirá en una estrategia muy buena de marketing; clara y definida. El tipo de éxito que quieres lograr para tu negocio y en el que puedes confiar plenamente.

Una marca es un sello de calidad y de identidad, ofrece la garantía de que cuentas con un buen nivel de servicio o experiencia.

Esto mismo es lo que sucede cuando la gente decide volver a un restaurante o a una agencia de viajes. Saben que pueden confiar en ellos, que su servicio y trato es de calidad, muy satisfactorio.

Por lo tanto, si cumples la promesa de tu marca y mantienes el estándar alto, los clientes te podrán premiar con su fidelidad y terminarán recomendándote a sus familiares y conocidos. Esto se traduciría en muy buenos resultados.

Clientes nuevos te encontrarán a pesar de que el mercado esté colapsado en tu sector, porque sobresaldrás de entre la competencia, construyendo una buena relación con ellos, basada en los valores y principios que compartís. Genera una buena conexión emocional, así será significativa tanto para ti como para ellos. Esto es muy importante para el cliente y también para tu empresa.

Si un cliente se siente identificado y conectado con tu marca, será leal a ti, independientemente de que una empresa similar le ofrezca mejores ofertas o productos más económicos. Eso sí, tienes como obligación cumplir las promesas que has realizado desde tu marca con el fin de recompensar a tus clientes.

Una de las transformaciones de Absolut Vodka.

Una de las transformaciones de Absolut Vodka.

Cómo la marca facilita el marketing

Una marca que se ha establecido adecuadamente ahorra energía, tiempo y dinero a tu empresa, ya que está centrada en lo esencial y va por el buen camino. Evita desviarte de los valores de tu sello de identidad, de tus propios intereses y también de tu público específico, ya que no, no lograréis correlacionar.

La marca ayuda a definir claramente quién quiere lo que tú ya tienes. No vas a dirigirte a todo el mundo, será hacia un determinado grupo poblacional. Esto también te permite destacar y ser coherente con tu mensaje. No más pérdida de tiempo en el marketing que no sea dirigido a las personas adecuadas.

Papelería. Manual Hiker Man de nuestra alumna Samara Khoudari.

Papelería. Manual Hiker Man de nuestra alumna Samara Khoudari.

La tuya podría ser la próxima gran marca

Si logras trabajar de forma correcta tu marca podría llegar a ser una nueva marca de excelencia dentro de tu especialidad. Imagínate que mencionaran tu nombre como un referente, al igual que hacen con “Hoover” para aspiradoras o con “Google” como buscador estrella de Internet.

Gracias a una marca logras posicionarte a nivel global. Hazlo bien y los clientes querrán disponer de tus servicios. Tu logo, el color, el eslogan, la imagen… Serán tu sello de identidad. Sabrán qué compran y qué valores tiene tu negocio. Los clientes solo son fieles a las empresas en las que confían.

Ahora que has leído este articulo, ¿crees que puedes correr riesgos con tu marca? ¿Puedes crear una identidad y una estrategia de marca que trabajen juntas para desarrollar tu negocio?

 

Descripción de la autora: Edith Gómez es editora en Gananci, apasionada del marketing digital, especializada en comunicación online. Se niega a irse a la cama cada noche sin haber aprendido algo nuevo. Le inquietan las ideas de negocio y, más aún, aportar una mirada creativa al pequeño mundo en el que vivimos.

Twitter: @edigomben

Instituto de Artes Visuales

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